Nach dem Hören des neuen KETTCAR-Albums "Zwischen den Runden" erscheint einem die leere, weiße Seite, die man nun stilvoll und konstruktiv beschreiben soll, noch leerer und weißer als je zuvor. Wie drücke ich aus, was ich empfinde? Es ist nicht so einfach, denn das vierte Album der Hamburger Indie-Helden ist eben nicht einfach ihr viertes Album, sondern eine Standpauke des Lebens.

Die erste Runde geht mitsamt "Rettung" musikalisch gut los und Marcus Wiebusch ist in seinen Texten noch immer der Kumpeltyp, den sich alle wünschen, der auch in den unschönen Momenten des Alltags zu dir steht. Wer solche Kumpel nicht hat, findet Trost "Im Club", der garantiert "Wir alle" heißt und in dem Rocksongs auch mit Streichern funktionieren. Auch später, wenn eine traurige Trompete den Wind "Nach Süden" trägt, ist die akustische Instrumentierung kein Fremdkörper im KETTCARversum, sondern genau der passende Rahmen für die Nachdenklichkeit und Nachhaltigkeit jener Songs, die einem unverblümt und wortgewaltig Hirn und Herz umdrehen. In der letzten Runde kann man den emotionalen Knock-out erleben, wenn Wiebusch "Zurück aus Ohlsdorf" über die Gedanken während einer Beerdigung singt. Es sind nicht nur seine Worte, die berühren, sondern dass Schwinden der gewohnten Abgeklärtheit in seiner Stimme.

KETTCAR kümmern sich nicht um Moden oder Trends, sie beleuchten das Geschehen mit ihren eigenen Taschenlampen, die ihren Saft aus einem Kaleidoskop an Emotionen speisen. Kaum jemand singt so ehrlich und lässig über die Facetten des Reisens und Hoffens wie Marcus Wiebusch. Entsprechend ist die musikalische Umsetzung in den neuen Songs weniger rau und laut, dafür mehr jazzig und vokallastig. Konsequenz einer Reifung, Ausdruck eines Standings und gnadenloser Respekt vor dem wahren Leben.

"Zwischen den Runden" schmeckt sowohl zum kühlen Bier als auch zum Rotwein mit Zimmertemperatur. Es ist wie ein vertrautes Gericht mit neuen Gewürzen. Ich sage "Lecker!" und fordere Nachschlag.

In Zeiten, in denen sich jeder Singer-Songwriter nennt, der nicht Herz auf Schmerz reimt und E-moll auf der Gitarre spielen kann, suchen einige Künstler ein neues Wohnzimmer. "Die Neuen DeutschPoeten" heißt eine dieser Schubladen, in der sich neben Niels Frevert, Philipp Poisel und Gisbert zu Knyphausen auch ein gewisser MAX PROSA tummelt.

Sein Debüt-Album "Die Phantasie wird siegen" wird sehnlichst erwartet, seit er im letzten Jahr als Support von CLUESO auf sich aufmerksam machte, und hält, was er live versprach. Dieser 22 Jahre junge Bursche - attraktiv, talentiert und sympathisch - ist wie die Erfüllung nie gewagter Träume. MAX PROSA ist einer, der noch an "irgendwo" und "woauchimmer" glaubt, der vom Abhauen und Zurückkommen singt, dabei aber nicht ankommen, sondern weitergehen will. Anders als seine nuscheligen Kollegen, badet Max nicht in der eigenen Befindlichkeitssuppe. Er betrachtet das Ich und Du in größeren Zusammenhängen, aus anderen Perspektiven. Seine Themen sind der Tag und der Sturm, die Stadt und die Stille, vor allem aber immer wieder die Welt, durch die er bunte Blicke wirft. Und man möchte ihm folgen, wenn er singt "ich will so wieder leben, alle Zweifel ertränkt in Übermut". PROSA ist Poesie, ist Zerrissenheit und Unbeschwertheit, ist Leidenschaft am Leben. Mit MAX PROSA verlässt man den Mittelstreifen des populären Musikgschmacks: Lässig auf der linken Spur, Blinker links, dann frech grinsend rechts überholen, einfach weil es Spaß macht.

Die 14 Songs auf dem Album nehmen einen mit auf die Reise durch eher unerforschte Pop-Landschaften. Da ist erzählender Dylan-Folk ("Abgründe der Stadt" oder "So wieder leben"), da sind gebrochene Chansons mit Pathos-Refrain ("Totgesagte Welt" oder "Schöner Tag"), da funkeln geheimnisvolle Scherben mal entfesselt und mal entrückt ("Radio Resistance" oder "Tasunoro"). In allen Songs ist die akustische Gitarre das tragende Instrument, wie zum Beweis, dass MAX PROSA das gesamte Programm auch solo spielen könnte. Mit seinen hervorragenden Mitmusikern ergänzt er seine vertonten Gedanken um Instrumente, die auch ohne Steckdose funktionieren. Hier ein schöner Streicherteppich, dort ein zartes Klingspiel oder die stimmungsvolle Mundharmonika. Prosas Songs atmen, sie schaffen allein musikalisch eine besondere Atmosphäre: So wähnt man sich bei "Mein Kind" in einem Irish Pub mit Blick aufs Meer und kann seinem Blutdruck beim Klettern zusehen, wenn "Im Stillen" von leise nach laut ausbricht.

Mit jedem Song beweist MAX PROSA eindrucksvoll seine Individualität und seine Kunst. "Die Phantasie wird siegen" ist ein Debüt-Album ohne Füllmaterial und ohne Niveauverlust, dafür musikalisch und textlich ganz groß. Lasst dies die Stimme der Phantasie sein, die Ikone einer zukünftigen Zeit, der berührende Augenblick des ewigen Sternenstaubs - dann werden wir alle siegen ...

Viele Jahre gab es kein musikalisches Lebenszeichen von TONI KATER. Nach ihren CDs "Gegen die Zeit" (2004) und "Futter" (2005) konzentrierte sich die in Berlin lebende Sängerin und Pianistin erst mal auf den erfolgreichen Abschluss ihres Studiums der Musikwissenschaften und Germanistik. Dann kam die Muse zurück, man könnte auch sagen "Sie fiel vom Himmel", denn so lautet der Titel ihres aktuellen Albums.

Es wurde viel ausprobiert, vielleicht ein Ausdruck von Unsicherheiten, die sich auch in den poetischen Texten wiederspiegeln. Unsicherheiten und Experimente, die es allerdings auch schwer machen, etwas ganz eigenes zu entwickeln und einfach mal mit der Faust auf den Tisch zu hauen.

Der erste Track des Albums, tanzbarer Elektropop, klingt wie eine Reminiszenz an ihre Entdecker von 2RAUMWOHNUNG und ist dennoch kein Prolog, denn die folgenden Songs gehen eher in Richtung Softpop Marke KLEE oder tragen auch schon mal - leider zu selten - einen ganz eigenen Stempel.

TONI KATER ist am Stärksten, wenn sie Schwäche zulässt, wenn nur wenige Instrumente ihren zarten, klaren Gesang begleiten und Melancholie aus den Textzeilen tropft. "Venedig" ist ein wunderbares Beispiel dieser Kunst, ein Chanson zu gezupfter Gitarre und dezenten Streichern. Das trifft genauso für "1 Land" zu und auch das "Fuchslied" am Klavier ist schön, wenn man die überflüssige E-Gitarre am Ende ausblendet. Ein wahres Highlight ist der Song "Was sind das für Zeichen", der sowohl musikalisch als auch gesanglich ausbricht, geheimnisvoll und gut. Mehr davon und TONI KATER hätte einen wirklich eigenen Stil. Wenn sie also aus der 2-Raumwohnung auszieht und nicht am Kleeblatt zupft, dann werden Sterne vom Himmel fallen ...

Als Tochter von Serge Gainsbourg und Jane Birkin hat man es entweder sehr leicht oder sehr schwer. Charlotte wählte den mittleren Weg, übernahm den Namen des anerkannten Künstlervaters und das Talent beider Eltern, um eine eigene erfolgreiche Karriere in den Bereichen Film und Musik zu starten.

Nach ihren viel beachteten Alben "5:55" von 2006 und "IRM" von 2009 (mit Beck Hansen als Songwriter und Produzent), konzentrierte sie sich in den letzten Jahren wieder vermehrt auf die Schauspielerei und war u. a. in zwei Filmen von Lars von Trier - "Antichrist" und "Melancholia" - zu sehen. Deshalb ist die neue Veröffentlichung fast ein musikalisches Comeback: "Stage Whisper" kommt im Doppelpack mit CD und DVD, bietet allerdings einen dreifachen Einblick in das Werk der Sängerin, die optisch an die junge Patti Smith erinnert.

Auf der CD befinden sich zunächst acht bisher unveröffentlichte Tracks, in denen sich diverse Komponisten scheinbar an neuester Computer-Software austobten, um einen Clubsound aus Electronic Beats zu zaubern. Die Coolness der Musik findet in der mädchenhaften Stimme durchaus einen reizvollen Antipoden, wobei Charlotte wahrlich keine große Sängerin ist. "Paradisco" ist herrlich funky, "Anna" hübsch melodisch und "Memoir" leichter Singer-Songwriter-Pop.

Danach folgen elf Live-Songs, in Perfektion dargeboten. Auch auf der Bühne wird mit viel Elektronik gearbeitet, aber CHARLOTTE GAINSBOURGs Stimme gewinnt und klingt etwas kraftvoller, weil sie gegen die Band ansingen muss bzw. neben ihr bestehen muss. Zu hören sind u. a. "Heaven Can Wait", der Happy-Hit von 2009, und die zarte Ballade "In The End" sowie der sechs Jahre alte Ohrwurm "The Songs That We Sing" und das Dylan-Cover "Just Like A Woman", das wie ein Schmetterlingsflügel am Gehöreingang kitzelt.

Wer sich nach Bildern zum Live-Sound sehnt, kann die einstündige DVD genießen: Ein Konzert-Mitschnitt, unterlegt mit visuellen Effekten und viel Material "behind the scenes", also Film-Aufnahmen während Studioarbeiten, Autogrammstunden und Reisen. Wirklich ansprechend gemacht. Auf der Bühne wirkt CHARLOTTE GAINSBOURG etwas scheu, was zu ihrer Attitüde passt. Außer "Merci" redet sie nicht viel, lässt die Songs für sich sprechen und wirken. Sie ist wahrlich keine Rampensau, glänzt jedoch mit Charisma und Sinnlichkeit. Während die Sängerin nebenbei mal etwas trommelt oder auf einem Keyboard herum tippt, wird sie begleitet von fünf professionellen Musikern, die auch auf der Bühne voll integriert sind und sich dennoch in demütiger Zurückhaltung zeigen.

Dieses Bühnengeflüster macht als üppiges Gesamtpaket große Freude, sowohl akustisch als auch optisch, und beeindruckt mit dem vielfältigen Output einer vielleicht unterschätzten Künstlerin.

Die Wetterexperten versprechen uns einen langen, harten Winter. Die passende Musik für Sofa-Abende mit Kuscheldecke und heißer Schokolade gibt es jetzt schon, denn KATE BUSH veröffentlich nach "Director's Cut" ihr zweites Album in diesem Jahr, welches den verheißungsvollen Titel "50 Words for Snow" trägt.

Die einflussreiche Ausnahmekünstlerin mit der unverwechselbaren 4-Oktaven-Stimme begeistert die Musikwelt seit über 30 Jahren mit Vokalakrobatik und Klangcollagen - stets experimentierfreudig, innovativ und erfolgreich.

"50 Words for Snow" bietet in 65 Minuten sieben neue, lange Stücke zwischen 6:48 und 13:32 Minuten. Es ist ein Konzeptalbum, ein Opus magnum, das zum Hineinsinken und Abtauchen einlädt. KATE BUSH öffnet mit ihrem Gesang die Tür zu einer Art Märchenwelt. So beschreibt sie in "Snowflake" die Welt aus der Sicht einer Schneeflocke, in "Misty" die Liebe zu einem Schneemann und mit "Wild Man" den Yeti und seine Fußspuren im Schnee. Die variationsreichen Kompositionen sind geprägt von Kates Klavierspiel und ihrer Stimme, die mal warm und tief klingt, im nächsten Augenblick aber Glas zum Zerspringen bringen kann. Mit reduzierter Begleitinstrumentierung durch Streicher, Schlagzeug, Bass und Gitarren entstehen prachtvolle Songs, die das Kopfkino anregen.

Im Duett mit ELTON JOHN präsentiert sich 'Snowed in at Wheeler Street' als sehr schöne Nummer, während im Titeltrack der wunderbare STEPHEN FRY als Erzähler die fünzig Worte für Schnee spricht, darunter so grandiose Wortschöpfungen wie "shnamistoflopp'n", "faloop'njoompoola", "Zhivagodamarbletash" oder "peDtaH 'ejchIS qo'".

Am Ende zeigt sich KATE BUSH wieder elegisch, verloren und allein mit sich und ihrem Klavier, dem Hörer das Gefühl gebend, genau das nicht zu sein. Diese Frau hat wahre Größe und schafft es mit diesem Album, dass man sich auf einen Winter mit ganz viel Schnee freut.

Sein erstes Solo-Debütalbum von 1997 höre ich noch heute gerne und dass seitdem erst zwei weitere Alben von NIELS FREVERT erschienen sind, spricht für die Ernsthaftigkeit seiner Arbeit. Er feilt an seinen Songs bis sie glänzen. Mit seinem letzten Album "Du kannst mich an der Ecke rauslassen" (2008) bewies er bereits, dass man ohne Betroffenheitslyrik und Pseudokritik über Freundschaften und Beziehungen singen kann, eingebettet in wohltemperierter Liedermacher-Musik.

Auch die Songs auf dem neuen Album "Zettel auf dem Boden" basieren auf akustischer Gitarre, leichtem Schlagzeug und Streichern. Hin und wieder gesellen sich hübsche Klavierlinien und dezente Bläser dazu. Stilistisch wird das Singer/Songwriter-Genre begleitet von Chanson und Jazz. "Die Lieder taugen wirklich nicht zur Untermalung" erkennt NIELS FREVERT als Selbstbeschreibung im Song "Zürich". Er zeigt eindrucksvoll wie subtil man mit der deutschen Sprache umgehen kann, was man aus ihr herauszuholen vermag. Dieser Mann "flüstert Wände mit geballten Fäusten an" und man wird den Eindruck nicht los, dass er auch geduldig wartet was die antworten.

NIELS FREVERT spannt in zehn Songs gekonnt einen Bogen von der Wichtigkeit vierer Eichhörnchen zur Flüchtigkeit eines Teekrümels, der auf den Boden der Tasse taumelt. Es sind die kleinen, leisen Momente, welche durch Freverts Sprache groß und bedeutend werden. Dabei ist nichts inszeniert oder aufgesetzt. "Blinken am Horizont" ist eine Art Abschiedslied ohne Traurigkeit, berührend und schön, aber nicht kitschig. Mit feiner Beobachtungsgabe, getupften Wortbildern und liebevoll sperrigem Gesang, der zum genaueren Hinhören zwingt, singt hier ein genialer Geschichtenerzähler. "Is'ne lange Geschichte, dauert ungefähr zwei Teelichter lang" heißt es im Stück "Küchensee" und man möchte Teelichter in Großpackungen kaufen gehen, nur um im Kerzenschein die zehn Zettel auf dem Boden des Herzens sehen zu können ...

"Man kann der jungen, hübschen und talentierten Dame nur raten, immer weiterzugehen", schrieb ich am Ende meiner Rezension zu MURIEL ZOEs letztem Album "Flood" (2009). Nun wäre es anmaßend zu glauben, dass sie auf mich gehört hat, aber ihr neues Werk "Birds & Dragons" hat meinen Rat und Wunsch ganz wunderbar umgesetzt.

MURIEL ZOE ist ein gutes Stück weitergegangen, weg vom Jazz, hin zum melancholischen Pop mit Americana-Einschlag. Musikalisch erinnern die dahinfließenden luftigen Arrangements an AMY MCDONALD oder JOHN MAYER, aktuell auch an BOY. Umgeben von handwerklich erstklassigen Musikern singt die junge Hamburgerin mit warmer Stimme, die sehr nah aufgenommen wurde, die sehnsüchtig und unaufdringlich eindringlich klingt, die von der Heimat in uns erzählt.

Die Songs versprühen Emotionalität und Lässigkeit, ein Gefühl, das Muriel Zoe selbst als "so ein Zwischending aus 70er-Jahre-Westcoast-Singer-Songwriter und Elbstrand-Atmo' bezeichnet. Alles scheint so unglaublich leicht und zurückhaltend, ist aber zu keiner Zeit belanglos. MURIEL ZOE macht Musik, in die man eintauchen kann ohne unterzugehen.

Er habe eine "Neue Idee" versprach die Vorab-Single zum neuen Album von PETERLICHT und warnte zugleich: "Mit jedem Ton, der mich verlässt, werde ich weniger". So ist am Ende nach elf weiteren Songs mit 54 vertonten Minuten wenig übrig geblieben, jedenfalls wenig Neues.

Der große Unbekannte PETERLICHT war seit "Sonnendeck" (2000) ein Kritikerliebling, galt als talentierter Sonderling und sinnfreier Sprachakrobat. Nach dem "Ende des Kapitalismus" (2006) läutet er nun "Das Ende der Beschwerde" ein, bleibt dabei gewohnt nachdenklich, kritisch und melancholisch.

Doch musikalisch leuchtet es nicht mehr so genial verschroben wie früher, es ist alles melodischer und etwas pompöser, durchproduzierter Elektropop statt LoFi.

Keinen Grund zur Beschwerde liefern die wunderbaren Texte, welche schließlich in der Verbindung mit Lichts eigenwilliger Interpretation die Besonderheit seiner Songs ausmachen. Überall lauert die Gesellschaftskritik, das Politische und der Schmunzeleffekt. Man möchte zitieren ohne Ende ...

Allein der Aufmacher "Sag mir, wo ich beginnen soll" ist ein gesprochenes Manifest, das vom Wir zum Ich führt, vom "Lied der vielen" über die Mitte zum "hallo hier bin ich". Ein Faden, der sich durch das ganze Album zieht, an dessen Ende "Der neue Mensch" steht und erkennt: "Es ist so, wie es scheint".

Dazwischen lernt man von PETERLICHT die Kunst "im freien Fall aufzusteigen" oder
seine alten Träume wegzuschicken. Wir sehen leere Gesichter, die in den Straßen verloren gehen, und "am Horizont die Bauten eines anderen Lebens". Es geht um Aufrichtigkeit und Wünsche, um Flucht und Sehnsucht, um Szenarien des Persönlichen.

Wer ein Lied mit "Begrabt mein iPhone® an der Biegung des Flusses" betitelt, schreckt auch nicht davor zurück mehrsilbige Begriffe wie Kausalkette, Kundenprofil und Finanzdienstleister auf einsilbige Noten zu legen und die Anhäufung eines Zuckerbergs zu thematisieren. Dieser Song sowie das eindringlich vorgetragene 7-Minuten-"Fluchtstück" sind Highlights und gute Gründe für eine Album-Empfehlung, auch wenn ein schwacher Schatten (Musik) den Lichtschalter sucht ...

Die umtriebige Berlinerin DOTA KEHR begann als Straßenmusikerin unter dem Namen KLEINGELDPRINZESSIN und nahm sowohl mit ihrer Begleitband DIE STADTPIRATEN als auch solo neun Alben auf, die sie stets ausgiebig live vorstellte. Die aktuelle Veröffentlichung bietet "Das große Leuchten" in Form von zahlreichen alten und neuen Songs, die im Tonstudio live vor Publikum aufgenommen wurden.

Die sympathische Multiinstrumentalistin, Songschreiberin und Sängerin DOTA wird unterstützt von den Musikern Jan Rohrbach (Gitarre u. a.), Nicolai Ziel (Schlagzeug) und Leon Schurz (Bass). Ihre Songs hüpfen in Schubladen hinein und wieder heraus, die Texte sind nicht verkopft und dennoch hintergründig, getragen von einer Stimme, die nicht zu niedlich und nicht zu schrill ist, sondern gradlinig. Die optische und akustische Gesamterscheinung ist wunderbar ungeschminkt, oder wie es in einem Lied heißt: "ich bin nicht cool aber ich leuchte bei Nacht".

Auf dem Album, das beim eigenen Label erscheint, sind 16 Tracks, darunter sieben bislang unveröffentlichte und zwei instrumentale Stücke. "Das große Leuchten" beginnt mit einem locker-flockigen Jazz-Happen "als gäb's kein Morgen", um danach weiterzuziehen durch die Pop-Welten, vorbei an Reggae, Chanson und Ska.

"Warten auf Wind" bezaubert musikalisch mit unkonventionellen Beats und Gitarrenlicks, während "Astronaut" mit erzählerischem Folk überzeugt. Mal liefert sich DOTA mit dem Publikum ein "oh-oh-oh"-Duell, mal piekt sie lakonisch ins Ego-Fleisch, wenn die Finger auf "Immer die Andern" zeigen. Zwischendurch gibt es zärtliche Balladen über Befindlichkeiten und Alltagsbeschreibungen.

DOTA & DIE STADTPIRATEN sind unprätentiöse Tausendsassa mit enormer Live-Intensität. Eine echte Entdeckung für alle, die deutschsprachigen Songwriter-Pop abseits breitgetretener Pfade suchen.

Die Brüder Kai und Thorsten Wingenfelder waren die Macher der erfolgreichen Band FURY IN THE SLAUGHTERHOUSE. Nach der Auflösung 2008 stiegen beide in Solo-Projekte abseits der Musikbranche ein und fanden nun für ein neues deutschsprachiges Album wieder zusammen. Unter dem Projektnamen WINGENFELDER:WINGENFELDER erschien die CD mit dem programmatischen Titel "Besser zu zweit" und bietet 14 kurzweilige Songs.

Das Werk legt gleich mit einer Hausnummer los: Opulenter Rock mit politischem Statement zeigt, wo's langgeht - "wir haben nichts zu verlieren, wir haben doch alles schon". Reimt sich sehr gut auf "Revolution".

Nach dem Intro von "Dinge die wir nicht verstehen" erwartet man, dass jeden Moment der Gesang von Bruce Springsteen einsetzt. Stattdessen ertönt die Stimme von Kai Wingenfelder, die nicht minder ausdrucksstark, angenehm tief und leicht rauchig klingt, im deutschen Vergleich zwischen Herwig Mitteregger und Markus Wiebusch liegt. Hinzu kommen wuchtige Arrangements und feinste Gitarrenarbeit (Norman Keil).

Es gibt die fröhlich-aufmunternden Songs mit Augenzwinkern ("Nie zu spät" und "Falsche Braut") sowie auch sparsam instrumentierte Balladen. Im Zentrum des Titeltracks steht die schöne Zeile "die Reise in die Einsamkeit erträgt man besser zu zweit" und "Irgendwie wird's gehen" beschreibt ein Abschiedsszenario mit all seiner Ratlosigkeit und zartem Hoffnungsschimmer.

Manch ruhige Titel drohen leicht ins Schlagerhafte zu rutschen, andere sind albern oder inkonsequent, aber schon wenige Minuten später leuchtet es wieder: "9 Leben" etwa zelebriert die Erinnerung an die wichtigen Dinge die bleiben, in "Irgendwann zurück" wendet sich ein Vater an seinen Sohn und in der "Angst vor der Angst" wechseln sich ruhige und ausbrechende Passagen ab und ergänzen einen identitätsstiftenden Text vortrefflich.

Wenn man hier von einem Debüt sprechen darf, so ist es gelungen.